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La tecnología profundiza e el conocimiento de Caravaggio

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta en sus salas el resultado de la restauración y estudio técnico de una de las obras más emblemáticas de su colección: Santa Catalina de Alejandría, de Caravaggio, todo ello con la colaboración de Asisa.

Actualizado 23 junio 2019  
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Redacción Ocio
  
Tras su paso por el taller, el cuadro se expone en la sala 11 en un montaje expositivo a cargo del Área de Restauración. La muestra incluye imágenes radiográficas y de infrarrojos que ilustran los aspectos más interesantes del trabajo realizado, explican la metodología utilizada y ponen de manifiesto la excelente calidad de la obra. El conjunto se completa con un vídeo que recoge todo el proceso de restauración, los descubrimientos más destacados e interesantes detalles del cuadro. 
Consciente del interés que suscita este tipo de intervenciones, el Museo busca con esta instalación acercar al público los métodos de trabajo de los restauradores, imprescindibles para determinar los tratamientos adecuados en cada caso y fuente importante de información para la historia del arte. El conocimiento de las técnicas y de los materiales empleados por los artistas es fundamental para poder concretar los procesos encaminados a detener el deterioro de la obra de arte. Penetrar en los aspectos más íntimos del trabajo de creación permite además adentrarnos en la mente del artista y en su época y comprender, con argumentos más fundamentados, el hecho creativo y su contexto.
Imagen fiel de una de las modelos habituales de Caravaggio, Santa Catalina de Alejandría (hacia 1598-1599) es una representación atemporal de la belleza en la línea de la mejor tradición del retrato. En lugar de presentarse en trance místico, la santa está girada hacia el espectador, con el que establece una comunicación directa y al que dirige una mirada de complicidad. Fillide Melandroni era una joven cortesana, cercana al círculo del artista, que aparece ataviada con indumentaria de la época: camisa blanca de manga ancha ligeramente recogida, rematada con una cenefa dorada en el escote, y corpiño, o vestido completo, de color pardo violáceo, adornado en los tirantes y en la parte delantera con galones más anchos de hilo dorado. 
La santa se arrodilla sobre un cojín rojo adamascado y se inclina hacia el costado derecho apoyándose en la rueda dentada, símbolo de su martirio, de cuyo eje, bajo su codo, cuelga un paño azul de gran riqueza y considerable peso y grosor. Luce una melena de tonalidades rojizas, en parte suelta sobre los hombros y en parte recogida a la altura de la nuca. En las manos sujeta con delicadeza una espada cuya hoja está teñida de rojo en su extremo inferior, en alusión a la sangre derramada o, quizás, un posible reflejo del cojín sobre el que la figura está reclinada. 
Entre los elementos iconográficos asociados a la santidad y al martirio, una palma que se cruza con el extremo inferior de la espada, simulando, por un efecto ilusionista, una guadaña y, sobre la cabeza de la santa, un nimbo dorado aplicado con oro sobre el fondo oscuro. 
La iluminación directa sobre la joven deja en penumbra el resto de la escena, acentuando la sensación de claroscuro y potenciando de manera abrumadora su presencia. Los blancos de la camisa y las carnaciones pálidas se recortan sobre el fondo, creando un efecto tridimensional. Dicho efecto será repetido en numerosas ocasiones por el pintor y supuso una innovación técnica imitada por infinidad de artistas contemporáneos suyos y de sucesivas generaciones. 
La restauración de Santa Catalina de Alejandría ha estado centrada fundamentalmente en la compleja eliminación de capas sucesivas de barnices acumuladas con el paso del tiempo. Su limpieza ha devuelto la unidad estética y la intensidad del claroscuro original. Asimismo, se ha recuperado el movimiento de los volúmenes, la sutileza de las carnaciones y la delicadeza de las texturas. Como consecuencia, el cuadro ha recobrado su equilibrio y se expone con una nueva apariencia mucho más cercana a como fue concebido.  Por su parte, la toma de micromuestras ha permitido conocer y
analizar los materiales utilizados por el pintor y su estado de conservación y, gracias a las imágenes en gigapixel y macrofotografías, se han podido observar hasta las más mínimas alteraciones y detalles del cuadro. La fotografía obtenida con iluminación rasante ofrece una imagen de la superficie del lienzo en la que se hacen evidentes los relieves y diferentes texturas. De esta forma es posible percibir, de una manera más precisa, las incisiones realizadas sobre la imprimación y que responden a la ubicación de los volúmenes de la composición. Este procedimiento es característico de la técnica de Caravaggio. 
En las micromuestras destaca un estrato de color rojo intenso correspondiente a la primera versión del vestido que el pintor decidió cambiar por un color pardo más apagado. Se desconoce el motivo de este cambio, pero es posible que tuviera que ver con las exigencias del comitente (el cardenal Francesco Maria del Monte) sobre vestir a la joven con un atuendo más contenido y discreto. La capa azul violácea que corresponde al vestido definitivo contiene una mezcla de lapislázuli, granos de azurita, carmín de cochinilla, negro carbón, albayalde y pigmentos tierra. El lapislázuli está también presente en el paño, mezclado con carbón negro finamente molido. La presencia de esta piedra semipreciosa indica que Caravaggio dispuso de apoyo y recursos para realizar este encargo con los mejores materiales. 
La imagen que muestran los rayos X pone de manifiesto sutiles modificaciones. Las más significativas fueron realizadas en las manos de la joven. En un primer momento, el pintor las sitúa más elevadas y después rectifica su posición. Se ven numerosos dedos en torno a la mano izquierda, ya que fue probando distintas ubicaciones hasta colocarlos en el lugar que hoy contemplamos. También se percibe la forma en que la rueda ha sido esbozada con una circunferencia completa para poder encajarla en la composición y posteriormente pinta encima de la parte que, según el relato del milagro, se rompió al tocarla la santa.  
 
Con este tipo de luz se hacen visibles las correcciones o pentimenti realizados a lo largo del proceso creativo, así como determinados trazos utilizados para reforzar o incluir algún elemento sobre áreas ya pintadas. En las manos de la santa puede apreciarse la diferente posición de los dedos bajo la apariencia definitiva, tal y como se observa también en la radiografía. Además, la espada y parte superior de la rueda pintadas posteriormente aparecen en la reflectografía con una intensidad diferente por la utilización de una importante cantidad de pigmento negro de humo.
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